Belle arti per i fotografi

Ci si potrebbe domandare, perché i fotografi hanno bisogno delle belle arti? Allo stesso tempo, possiamo dire con certezza che proprio come la pittura non è priva di un’immagine, così una fotografia, ovviamente, contiene un’immagine; una brutta fotografia non è necessaria o interessante per nessuno. Si potrebbe dire che molti fotografi lavorino brillantemente senza conoscere e non avendo studiato la pittura, mentre i pittori, soprattutto in fotografia, non hanno bisogno di nulla. Tuttavia, questo non è del tutto esatto. Se torniamo alla storia della fotografia, notiamo che i primi prerequisiti per la fotografia apparvero molto prima del noto Dagherrotipo del 1835. La fotografia risale al Rinascimento, ai tempi dei grandi Caravaggio, Carracci, Botticelli e Michelangelo. Come strumento e assistenza, usavano Camera Oscura. Così l’essenza stessa della fotografia venne inventata e iniziò ad essere utilizzata dagli artisti proprio in quel periodo. Un’invenzione simile fu utilizzata per trasmettere accuratamente l’immagine reale sulla tela. Dopo molti secoli e trasformazioni, le moderne fotocamere digitali trasmettono ancora immagini secondo lo stesso principio della Camera Oscura. Solo inizialmente, la luce entrava nella stanza attraverso un foro, venendo visualizzata sul muro sotto forma di un’immagine, che veniva abbozzata dagli artisti , come se usassero uno stencil, al contrario, oggi,  la luce entra nel corpo della fotocamera attraverso l’obiettivo, essendo visualizzata sulla matrice.

La domanda sorge spontanea: perché, allora, le fotocamere non sono apparse nel XVI secolo, ma solo 180 anni fa? Il fatto è che a quel tempo non era possibile fissare l’immagine risultante sulla tela ed era necessario, per prima cosa, disegnarla. Nell’Ottocento avvenne una scoperta in campo chimico, che permise di portare la fotografia allo stesso livello che, di fatto, è ancora oggi utilizzato dai fotografi analogici: con l’ausilio di alcune soluzioni l’immagine venne catturata su carta .

Non è un segreto che i nostri predecessori chiamassero la fotografia light painting, perché era la luce a scrivere su lastre di vetro e metallo, dando le prime immagini fotografiche, un esempio che è sopravvissuto fino ad oggi.

Guardando indietro all’intera storia della fotografia, possiamo affermare con certezza che l’asserzione che fotografi e artisti non siano in alcun modo collegati tra loro è assolutamente sbagliata. Ad esempio, ammirando le opere di Caravaggio, si può notare con quale accuratezza l’artista ha trasmesso l’immagine nei suoi dipinti e quanto siano realistici.

Eppure, dopo la comparsa della fotografia, iniziò un inevitabile conflitto tra pittori e fotografi dilettanti ancora alle prime armi. Tuttavia, vorrei sottolineare che anche adesso la fotografia può essere uno strumento per un artista e la pittura può, a sua volta, essere uno strumento per un fotografo. Cosa significa? Poiché la fotografia ha avuto origine durante il periodo della pittura, tutti gli sviluppi artistici, per circa, 10 secoli si sono riflessi nella fotografia in un modo o nell’altro. E sarebbe insolito non usare questi insegnamenti. Se non conosciamo i nostri predecessori e cosa stessero facendo, allora inventeremo qualcosa per tentativi ed errori, con la probabilità di non ottenere ciò che vogliamo. Stiamo parlando di una varietà di parametri che vengono utilizzati sia nella pittura che nella fotografia, come: esposizione, composizione, luce, ombre, forma, ecc.

Se parliamo delle differenze fondamentali tra fotografia e pittura, potremmo dire che la pittura è qualcosa che è impossibile in linea di principio, è qualcosa che non esiste al mondo. Un esempio di questa affermazione può essere il lavoro di artisti come Tiepolo, Salvador Dalì, Bosch e altri e se il fotografo si rivolge alla pittura nel suo lavoro, questo gli consentirà di espandere notevolmente la propria visione. Lo sguardo del fotografo ordinario è piuttosto limitato. Egli, come si suol dire, “non vede oltre il proprio naso” e può solo fissare un’immagine specifica che vede davanti a sé, ma non di più. La pittura ha una storia enorme, che ha percorso molta strada e si è adeguata a seconda dei periodi storici.

All’epoca in cui apparve la fotografia, nacque una corrente nella pittura: l’impressionismo. Da quel momento, la fotografia e la pittura hanno iniziato a muoversi l’una verso l’altra, perché l’essenza dell’impressionismo è catturare il momento, come un certo stato attuale che è ora e non si ripeterà mai. La fotografia, infatti, è qualcosa del genere, e sarebbe molto utile trasferire dalla pittura alla fotografia ciò che è eterno. Questo permetterebbe alla fotografia di “vivere per sempre”, come vivono molti dipinti di grandi artisti del passato. Tali opere, oltre alla componente estetica, possono comprendere una funzione storica, intellettuale, ed essere oggetto di “caccia” per i collezionisti a distanza di anni.

Successivamente, propongo di smontare i componenti di qualsiasi immagine, sia nella pittura che nella fotografia. La prima cosa che vediamo nell’immagine è una certa trama che l’autore ha incarnato. Quindi osserviamo la composizione, cioè come è stata implementata esattamente questa trama: questo è ciò che definisce gli accenti e le priorità per lo spettatore. Ci sono anche luci e ombre, varie forme e interazioni tra questi componenti. Inoltre, il colore, se parliamo di un’immagine a colori. Il colore gioca un ruolo molto significativo nell’immagine e trasporta parte del contenuto. Ad esempio, provate a posizionare lo stesso oggetto su sfondi diversi e vedrete che l’atteggiamento nei confronti dell’oggetto stesso cambia, soprattutto se è un oggetto vivente.

Esiste anche una cosa come il genere. Il genere include tutti i componenti precedenti. Vorrei concentrarmi sul genere in modo più dettagliato, raccontando la storia della formazione e della classificazione del genere nella pittura. Molti grandi artisti dei secoli passati si diplomarono all’Accademia Fiorentina di Belle Arti, in cui i generi della pittura non solo erano classificati, ma avevano anche una certa gerarchia. Ogni livello della gerarchia di genere includeva il tempo di formazione. Tutti i generi di pittura in una forma o nell’altra sono stati trasferiti alla fotografia, in alcuni casi cambiando solo il nome. La natura morta si trovava al livello più basso della gerarchia. Lo stesso nome natura morta nella traduzione dal tedesco significa “vita tranquilla” o “vita morta”. Questo è qualcosa che non avrà nessuno sbocco, potrete dipingere una natura morta per oltre 10 anni. Il livello successivo era il paesaggio. Anch’esso è statico, ma presenta condizioni più complesse di una natura morta. Qui entrano in gioco la posizione, la distanza della luce, ecc. Inoltre, non sarete in grado di esporre il paesaggio a vostra discrezione, dovrete catturare questo o quel frammento da un’immagine già esistente. La fase successiva è il ritratto, considerato un genere più complesso. Un buon ritrattista deve essere in grado non solo di trasferire a fondo i contorni di una persona, ma anche di “trasmettere la sua anima” alla tela. Molti fotografi odierni non farebbero male ad apprendere  dagli artisti l’arte di creare ritratti “viventi”, perché nella fotografia questi principi sono importanti quanto lo sono nella pittura.

Il livello successivo della gerarchia è chiamato “genere”. Questo è quello che conosciamo oggi come street, reportage e documentario. I dipinti di genere includevano frammenti di vita quotidiana, una sorta di schizzi di lavoro, ecc. Inizialmente, si è ritenuto che questi fossero dipinti più divertenti rispetto a quelli memorabili e storici. Ma era considerato più complesso perché includeva molti elementi che dovevano essere disposti armoniosamente in uno spazio. Tuttavia, con l’avvento della fotografia, il genere è salito a un livello superiore, perché questa è l’essenza della fotografia: catturare il momento.

Il più alto livello di arte pittorica erano considerate le composizioni multi-figurate e storiche. Ad esempio “La Disfatta di Sisera” di Luca Giordano. Questo fu uno dei suoi primissimi lavori, che gli diede grande popolarità facendo conoscere in tutto il mondo.

Rivolgendo il nostro sguardo a questi predecessori, che hanno creato dei capolavori mondiali, sarebbe possibile consigliare ai fotografi moderni, prima di premere nuovamente il pulsante di scatto, di porsi questa domanda: sarà interessante per qualcuno? Questa fotografia “farà saltare in aria” mezzo mondo? Invece, possiamo vedere milioni di foto ogni giorno che nessuno ricorderà il giorno successivo. L’ultima componente che forma l’immagine è la filosofia. Ogni artista e fotografo eccezionale, oltre alla foto stessa, immette una certa filosofia nel suo lavoro, un certo messaggio per lo spettatore. Questo è ciò che successivamente ravviva l’immagine, le conferisce “un’anima propria” e le permette di vivere per molti anni.

Foto di copertina – CC0. Antonie Sminck Pitloo – Castel dell’Ovo dalla spiaggia